Un fenomeno trasversale, che ha toccato tanto l’ambiente accademico quanto i contadini del sud Italia negli anni ’60 e oltre: Pasolini è capace di attraversare barriere generazionali, politiche, temporali.

Per commemorare i momenti salienti della vita e della carriera di Pasolini — poeta, regista, autore, drammaturgo e molto altro — la compagnia ne festeggia l’ardore, la passione, l’amore con un concerto-spettacolo in cui si alternano momenti di sferzante forza poetica e ironiche premonizioni, stornelli dalle osterie romane, occhiali squadrati e mocassini neri.

I testi e le musiche sono liberamente ispirati ad alcune delle opere di Pasolini più significative in termini di coinvolgimento diretto del pubblico: Comizi d’amore, le canzoni scritte per Laura Betti e Gabriella Ferri, le poesie scritte durante tutto l’arco della sua vita. Negli anni lo spettacolo è stato ospitato in Polonia, Danimarca, Svezia, Ungheria e Grecia.

Nel desiderio di evocare il Sud, la compagnia dà vita a un’Italia di altri tempi, restituendo qualcosa di questa terra arida dove, come nella sua gente, si vedono orgoglio e resilienza. Tradizioni, emigrazione, morte e superstizioni si intrecciano in un costante gioco di dramma e commedia, gravità e leggerezza, morte e vita, celebrati senza sosta.

Strampalati si trova al crocevia di diverse espressioni artistiche: circo, teatro e musica sono i linguaggi attraverso cui prende vita questo affresco di un mondo antico e incredibilmente contemporaneo.

È uno spettacolo che offre le chiavi per comprendere le terre del Sud. Quale Sud, vi chiederete? Il nostro, il vostro, il Sud di tutti. In fin dei conti, siamo tutti nel Sud di qualcosa.

Quattro fasi rappresentate nella mitologia e nei racconti tradizionali dai quattro archetipi della Giovane, della Madre, dell’Incantatrice e dell’Anziana, ognuna corrisposta da ormoni, emozioni, pensieri ed energie proprie. È questo universo interno, in reciproco riflesso con quello esterno, che le due clownesse giocano sulla scena, tuffandosi e rimbalzando nell’intensità delle loro emozioni, oltre gli stereotipi che condizionano la libera espressione dell’essenza femminile.

Perché il femminile e la poetica del clown? Il corpo femminile, nella storia, è sempre stato soggetto a controllo, limitazioni, giudizi e deformazioni. La scelta della figura archetipica del clown ha guidato il processo creativo verso uno spazio inedito, dove l’esagerazione dei limiti in contrasto con le restrizioni sociali e personali diventa forza, impulso, energia per trasformare il modo di guardare la realtà.

Il progetto nasce dopo diversi anni di formazione con la docente clown Merry Conway (Shakespeare and Co., New York) ed è strutturato sul metodo del Devised Theatre, o creazione collettiva. «Il clown ci insegna a ridere di noi stessi. Ed è un ridere che nasce dalle lacrime» (Henry Miller).

Uno spettacolo di teatro-clown senza parole in cui umorismo, fantasia e gioco danno vita a un universo poetico e partecipativo. Attraverso il sorriso, lo stupore, l’attesa e la tenerezza, Bergamotto invita il pubblico a condividere un’esperienza di felicità semplice e autentica. Clown, teatro fisico, umorismo gestuale, manipolazione di oggetti e musica dal vivo alla fisarmonica.

Pasquale Marino è clown, attore e pedagogo specializzato in teatro fisico, clown e arti di strada. Artista reggino che vive vicino a Barcellona, da oltre 25 anni sviluppa un percorso internazionale incentrato sulla creazione di spettacoli visivi, poetici e intergenerazionali. Si è formato in Italia, Messico e Spagna con maestri quali Eric de Bont, Avner the Eccentric, Vladimir Olshansky, Peter Shub e David Larible.

Lo spettacolo ha vinto il Premio di votazione popolare agli XI Premios Zirkòlika de Circo de Cataluña e il Premio del pubblico al XIII Encuentro Entrepayasaos de Zaragoza.

Sulla pista del circo, con gli allievi intorno a sé, Bergamotto darà tutte le chiavi per essere un buon clown e una buona clownessa.

Il clown è un’esperienza di relazione e di gioco a partire dalla quale i componenti di ogni famiglia scopriranno le diverse possibilità di esprimersi in gruppo, in un processo di creazione collettiva e trasformazione reciproca. Tutta la famiglia scoprirà il proprio clown nascosto, utilizzando giochi di movimento e improvvisazioni clown.

Una tinozza da 70 litri piena d’acqua fa da contrappeso alle acrobazie sospese nell’aria. Ogni movimento, ogni salto, ogni torsione è arricchita dall’acqua che scivola dai tessuti, e la delicatezza del contatto fisico traduce un dialogo senza parole.

Due giovani artiste, legate da un comune percorso di creazione e da una forte passione per il circo contemporaneo e la musica, si incontrano sul palco nel corso di un tramonto e vivono un’esperienza che le porta a confrontarsi con la parte più intima di sé stesse. Sospese nell’aria o danzando a terra attraverso l’elemento acqua, ricercano equilibrio e libertà.

Il tramonto diventa metafora del passaggio, del cambiamento e della crescita. Acrodanza, verticalismo e acrobatica aerea con contrappeso e tessuti si intrecciano alla musica dal vivo — piano, violino elettrico, flauto traverso e voce — trasportando il pubblico in una dimensione onirica.

«Ogni cosa che tocchiamo o facciamo emette suono: sia gli attrezzi di circo, che il palco, che noi stessi.» Cantato e suonato dal vivo, Sonata per tubi mette in scena basso tubo, tuboncello, violino, clavax, diabolofono, palo sonoro e palco-grancassa.

Ha inizio il concerto: pezzi di tubo che volano vanno a comporre un contrabbasso e un violoncello. La musica avanza tra Rossini, Bach, Beethoven, Pink Floyd, Rolling Stones e Louis Armstrong. Poi arriva lei, eroina moderna, che sconvolge ogni armonia. Il circo alimenta la follia del trio in contrappunto con clave che diventano sax e con diaboli sonori: un crescendo di canti polifonici a tre voci e prove di coraggio musicali e circensi conduce a un rituale finale.

Fondata nel 1997, la Compagnia Nando e Maila è riconosciuta e sostenuta dal Ministero della Cultura e dalla Regione Emilia-Romagna come impresa di produzione di circo contemporaneo e di innovazione. «Un circo vitale, semplice, efficacissimo nella sua immediatezza» (Andrea Porcheddu).

Il dispositivo scenico è semplice e mobile: una poltrona, lo studio ambulante della Strizzacervelli, e una cornice da cui pendono nodi realizzati con corda riciclata da navi in disuso. A ciascuno dei 21 nodi corrisponde una domanda simbolico-poetica.

Gli spettatori scelgono un nodo dalla cornice. A ogni nodo corrisponde una domanda alla quale la Strizzacervelli risponde pubblicamente attraverso un’azione poetica — una canzone, una danza, una parola o un gesto — dedicandola allo spettatore coinvolto e alla piazza che assiste. Infine regala il nodo, portatore di una storia, come memoria simbolica dell’incontro avvenuto.

Questo processo poetico, ironico e provocatorio mette in scena e prende in giro il nostro bisogno di essere nominati, così come il timore di essere realmente riconosciuti. Al centro c’è la tensione tra intimità ed esposizione: l’incontro nasce tra performer e singolo spettatore, ma avviene sempre sotto lo sguardo della comunità presente, che diventa testimone e parte attiva.

Cosa resta della nostra umanità? Nel groviglio delle relazioni i due personaggi tentano di non perdere quel filo che potrebbe rivelare l’altro nella sua più autentica umanità. Due esseri fragili, ma curiosi di scoperte, che affrontano tutte le situazioni con la leggerezza della loro semplicità. Umorismo e poesia contraddistinguono questa pièce originale e delicata in cui si intrecciano teatro, circo, musica e danza.

La compagnia Circ’Hulon è nata nel 1981 dal sogno di libertà di Jacques e Sophie, i genitori di Antoine, che ispirati dal film “La Strada” di Fellini hanno percorso le strade d’Europa per vent’anni. Oggi la piccola troupe torna in Italia con “Groviglio”, un nuovo spettacolo impregnato di poesia e umanità.

Grandi interrogativi: come si porta una porta? Cosa c’è dietro una porta? Uno spettacolo che affronta tutti questi temi, tra chiavi disperse, maniglie magiche e giochi assurdi che ostacoleranno due clown in un semplice ma non scontato montaggio di porte.

In scena due personaggi onirici e comici dalle caratteristiche ben delineate: un outfit impeccabile, con richiami minuziosi alle chiavi e alle maniglie, in ricordo dei portinai dei grandi film classici. Ingombranti e pulite, le porte diventano protagoniste assolute della scena — siamo sicuri che siano semplici oggetti inanimati? Una sorpresa dietro l’altra trascina il pubblico in luoghi onirici, dal museo alla casa, dall’appartamento del vicino ai luoghi sacri.

Spettacolo vincitore dei Mirabilia Awards 2023 e menzione speciale al Premio Luzzati 2024: «una sorta di teatro dell’assurdo dove i protagonisti sono oggetti, tutto interpretato con impassibilità alla Buster Keaton». Adatto dai 5 anni in su.